Félicitations aux diffuseurs du Projet d’échange en création 2015-16 : Springboard Performance, Neighbourhood Dance Works et Yukon Arts Centre! Leur projet national, Body of Water, rassemble les artistes Ann Troake (St. John’s), WojciechMochniej (Calgary) et Aimée Dawn Robinson (Whitehorse). L’échange sera formé par la personnalité des plans d’eau des communautés – l’histoire, la politique et l’expérience qualitative. Des artistes de chaque région seront engagés pour travailler avec le trio de chorégraphes.
​

Qu’est-ce qui distingue le MAI dans le milieu de diffusion de la danse au Canada ?

Notre mandat de présenter l’art interculturel demeure, je crois, unique au Canada et possiblement en Amérique du Nord. Corrigez-moi si j’ai tort.

Quels compagnie ou artiste canadien en danse aimeriez-vous présenter, soit prochainement ou à l’avenir ?

Parce que nous sommes un diffuseur pluridisciplinaire, j’ai une liste qui recoupe plusieurs disciplines (et elle ne cesse de croître). Pas mal en haut de la liste, il y a les Dancers of Damelahamid.

Quel succès avez-vous connu, soit par rapport à un spectacle ou à l’engagement du public ?

Je suis toujours excité quand un artiste présenté au MAI est invité par un autre diffuseur, ou a l’occasion de présenter son travail à l’extérieur de la ville ou de la province. C’est tellement important que le travail ait une vie après la première.

Merci beaucoup à Michael d’avoir accepter d’accueillir notre rencontre de réseautage au MAI pour notre rencontre du 19 novembre, pour sa contribution au conseil de CanDanse et sa codirection (avec Ryan Cunningham) de notre comité sur la danse autochtone et culturellement spécifique (vous allez vouloir en savoir plus !).

Chorégraphie: Paul-André Fortier
Danseurs: Paul-André Fortier et Robin Poitras
Musique: Alexander MacSween
Lumières: John Munro
Scénographie et accessoires: Edward Poitras
Costumes: Denis Lavoie
L'assistante de la chorégraphe et répétitrice: Ginelle Chagnon
Directeur technique: Victor Lamontagne
Premiere: Festival TransAmériques, Montréal, 2014
Partenaires de commission: Festival TransAmériques, Festival Danse Canada, Centre National des Arts, The Brian Webb Dance Company, et le réseau CanDanse.

Porté par les succès d’une brillante carrière de presque 40 ans, le chorégraphe-interprète Paul-André Fortier termine avec Misfit Blues la trilogie entamée en 2008 en compagnie de l’artiste multidisciplinaire Rober Racine pour Cabane et poursuivie en 2012 dans Vertiges avec le compositeur-violoniste Malcolm Goldstein. En duo avec l’incandescente performeuse saskatchewannaise Robin Poitras, il se montre sous un jour nouveau dans Misfit Blues, caricature douce-amère de la grande comédie humaine.

Cofondé en 1981 par Cathy Ferri et Agnes Walsh, Neighbourhood Dance Works (NDW) est d’abord un collectif dédié à la création de pièces de danse innovatrices à St. John’s. Avec le développement de l’organisme, une série de spectacles est mise sur pied pour mettre en vedette le talent de région ainsi que des œuvres de chefs de file en danse au Canada. NDW devient ainsi le principal diffuseur de danse moderne dans la province. En 1990, NDW présente le premier Festival of New Danse. Maintenant, plus de vingt ans plus tard, le festival jouit d’une réputation pour une programmation éclectique et stimulante de chorégraphies du Canada et de l’étranger, tout en exposant les artistes de la région à de nouveaux publics.

CanDanse : Qu’est-ce qui rend NDW unique dans la communauté de diffuseurs de danse au Canada ?

Calla : Notre emplacement intéresse les artistes qui participent au festival. Nous sommes situés au point le plus à l’est de l’Amérique du Nord. L’océan débridé, les falaises escarpées et les South Side Hills enchanteresses encadrent la ville : c’est un contexte saisissant pour le festival. On aperçoit les artistes que nous invitons en jogging sur Signal Hill ou en randonnée sur le East Coast Trail dans leurs quelques moments de loisir avant et après les spectacles. Ils me disent encore et encore comment ils souhaitent revenir au festival, non seulement pour renouer avec les spectateurs, mais pour revivre le lieu. Nous ne sommes évidemment pas responsables du travail de dame nature, mais nous sommes chanceux de profiter de sa beauté.

CanDanse : Quel artiste de danse canadien ou compagnie canadienne souhaitez-vous présenter ?

Calla : Si nous avions des fonds et un temps illimité, je voudrais présenter tout le monde. Je le dis sérieusement. J’aimerais avoir un énorme marathon de danse avec des spectacles dos à dos pendant tout un mois. À court terme, je souhaite présenter So Blue de Louise Lecavalier au Longshoremen’s Projective Union – notre hall historique LSPU.

CanDanse : Pouvez-vous décrire des réussites de NDW quant aux spectacles et à l’engagement du public ?

Calla : Les spectacles qui font encore parler nos spectateurs comptent Tedd Robinson qui tient cet incroyable bâton sur la tête ; Dulcinea Langfelder dans Portrait of a Woman with a Suitcase ; Peggy Baker dans une magnifique représentation de Portal après qu’elle eut été égarée dans un gîte en raison de l’ouragan Igor ; la salle instantanément sur les pieds après une première de Margie Gillis ; et l’inoubliable prestation de Roger Sinha dans Burning Skin. Et encore, les artistes de notre région : Louise Moyes dans My Secret Pig, Barry Nicols dans Moose Man et le superbe duo de Sarah Joy Stoker et de  Peter Trotzmer, Broken Accidents. Ce mélange de talent de chez nous et d’artistes d’ailleurs crée tellement de moments mémorables.

Le reseau CanDanse accueille de nouveaux membres Mile Zero Dance (Edmonton), The PuSh International Performing Arts Festival (Vancouver), et Theatre Junction (Calgary).

Nous sommes heureux d'annoncer que Kathy Lewis est le nouveau directeur de programme pour le réseau CanDance tandis que Chrystine Williams est en congé de maternité. Kathy a travaillé avec CanDance dans le passé comme l'adjointe administrative et nous sommes très heureux de l'accueillir à nouveau à l'équipe de CanDance!

Chorégraphe: Wen Wei Wang, en collaboration avec les artistes
Danseurs: Jung-Ah Chung, Léon Feizo-gaz, Josh Martin, Diego Romero, Renée Sigouin, Tiffany Tregarthen, Wen Wei Wang
Musique: Giorgio Magnanensi & Walter Zanetti
Eclairage: James Proudfoot
Conception de la vidéo: David Raymond
Conception de costumes: Kate Burrows
Durée: 65 minutes sans entracte
Première: Brian Webb Dance Company, Edmonton, le 22 Février, 2013
Partenaires de commission: Brian Webb Dance Co., DanceHouse, Centre national des Arts, L'Agora de la danse, et le réseau CanDanse.

Découlant de la nature dichotomique de l'improvisation - désinhibée abandonner et de précision contrôlée - chorégraphe Wen Wei Wang examine les idées de contrôle et de puissance grâce à sa nouvelle création de danse. 7th Sense est une exploration de la façon dont nous exerçons un contrôle et succombons à elle, une force invisible qui façonne nos vies et nos relations.

Nous chérissons l'autonomie de nos vies, le libre arbitre nous exerçons dans notre existence quotidienne, et nous luttons vaillamment contre les forces oppressives, à des échelles petites et grandes. Pourtant, nous avons aussi l'envie profonde de dominer notre environnement, la conquête de l'inconnu, et de maîtriser le mystérieux. La pièce tient un miroir à cette duplicité de révéler notre désir pour les libertés individuelles tout en exerçant notre volonté aux autres.

7th Sense est une exploration personnelle dans la réalisation de la vraie nature, malgré les nombreuses forces sociales externes qui entravent et freinent. Il s'agit de repousser l'encontre des règles artificielles de la société qui nous empêchent de céder à notre vrai moi et d'aimer les autres et nous-mêmes - sans condition.

Chorégraphe: Aszure Barton
Danseurs: Jonathan Alsberry, Lara Barclay, William Briscoe, Tobin Del Cuore, Benjamin Kamino, Andrew Murdock, et Davon Rainey
Musique originale: Lev 'Ljova' Zhurbin et Curtis Macdonald
Conception de l'éclairage: Burke Brown
Costumes: Linda Chow
Le contenu visuel: Tobin Del Cuore et Don Lee
Première: Le Festival Danse Canada, Ottawa, le 8 Juin, 2012
Durée: 69 minutes
Partenaires de mise en service: Centre national des Arts, Danse Danse, Festival Danse Canada, Le Grand Théâtre du Québec (par La danse sur Les Routes du Québec), et le réseau CanDance

"J'ai fait un rêve une nuit. J'ai rêvé que j'étais sous l'eau, assis dans un fauteuil à bascule ". -Aszure

Awáa explore la nature du masculin et du féminin, la forte et la courbe, de la terre et de l'eau. L'eau est fondée dans la sensation, ce qui suggère le sein, de la maternité, et un sentiment de ralentir le temps. Ce soir puissante de la danse attire le public dans un monde qui est envoûtante, passionnante et pleine de percussion. Parfois, il est drôle, d'autres fois triste, et à d'autres, une beauté envoûtante.

Aszure Barton & Artists est un collectif d'artistes visuels, artistes sonores, et des artistes de la scène, adhérant à des résidences de création au Canada et aux États-Unis pour évoquer la vision basé sur le mouvement et l'esprit libre de son fondateur.

Chorégraphe: Isabelle Van Grimde
Assistante à la chorégraphe: Soula Trougakos
Interprétation: Marie Brassard, Sophie Breton, Robin Poitras, Soula Trougakos et Brian Webb
Artistes visuels et médiatiques: Derek Besant, Brennan/Caulfied/Mills, Kate Craig, Nadia Myre, Marilène Olivier et Monique Régimbald-Zeiber
Architecture et scénographie: Anick La Bissonnière en collaboration avec Éric O. Lacroix
Musique: Thom Gossage
Lumières: Lucie Bazzo
Vidéo: Foumalade
Essais: Dr Cristian Berco et Dr Dawna Gilchrist
Comité de conseil en arts visuels: Louise Déry et Kitty Scott
Photos: Michael Slobodian
Premiere: May 29, 2012
Mise Partenaires: Festival TransAmériques, The Brian Webb Dance Company, Canada Dance Festival, Festival Danse, Centennial Theatre (through La Danse sur les routes du Quebec), and The CanDance Network

Les artistes et les penseurs rassemblés sur le terrain hybride de cette création-exposition ont tous une vision singulière et forte du corps. En mettant à leur disposition des éléments théoriques et chorégraphiques pour que, ancrés dans leur propre expérience, ils créent des œuvres originales, j’ai voulu donner de multiples échos à mes questionnements et offrir au spectateur-visiteur une expérience éclatée susceptible d’ouvrir de nouvelles voies à sa proper perception du corps.

Certains des artistes exposés interrogent l’avenir en plaçant le corps vivant en dialogue avec son génome, avec sa transposition numérique ou avec sa dimension onirique. D’autres résistent à l’ère technologique, mettant en scène l’être humain dans un labeur physique éternel où les outils étendent ses capacités physiques – cyborg originel par opposition au cyborg actuel branché sur des ordinateurs qui prolongent le mental, qui permettent de se projeter dans différents espaces et qui façonnent de nouvelles images du corps.

Quels sont la place et le sort réservés au corps physique à l’heure où la technologie permet de le modifier et où le virtuel transforme notre rapport au monde? Face à ces questionnements, les artistes explorent de nouvelles façons de présenter le corps, et les traces fugaces du passage des danseurs dans l’exposition, comme leur présence sensible, sont d’autant plus poignantes.

Concept et chorégraphie: Dana Gingras (en collaboration avec les artistes)
Interprètes: Ambre Funk-Barton, Sarah Doucet, Dana Gingras, Shay Kuebler, Masaharu Imazu, Karen Fennell (apprenti)
Transmission Concept, Installation, Composition: Anna Friz
Dramaturgie: Ruth Little, Daniel Canty
Concepteur des éclairages: Mikko Hynninen
Costumes et Styling: Sarah Doucet
Photographie: Yannick Grandmont
Premiere: 4 Octobre 2011; Vancouver East Cultural Centre
Mise partenaires: Le Centre culturel de Vancouver-Est, The Brian Webb Dance Company, Centre national des Arts, L'Agora de la danse, et le réseau CanDanse. 

Le besoin fondamental de se connecter, malgré les obstacles de temps et de distance, est devenue un paradigme central de la communication humaine. Heart as Arena, une œuvre multimédia pour cinq interprètes, explore les idées de la réceptivité, la transmission et le langage secret de l'électricité qui anime le cœur, l'esprit et les muscles.

Émetteurs radio à faible puissance diffusent un courant fragile de chansons d'amour, des bribes de statique, et le silence profond de l'espace. Une constellation de radios plane au-dessus les danseurs, créer un tableau vivant de son. Les transmissions créent un paysage sonore physique qui est constamment sollicité et perturbé par les fréquences et de champs électriques créés par les danseurs en mouvement. Norma de Bellini, l'opéra canonique du désir, de l'amour et de la perte, agit comme le centre émotionnel de la pièce, surgissant et disparaissant tout au long de la pièce comme une station éloignée entendu sur la fin de la radio de nuit.

Cette chorégraphie explore le cœur comme une arène de champs de force électrique et émotionnel; l'attraction et de répulsion des corps en mouvement; expressions physiques exigeantes de besoin; l'interaction électrique à la base de nos émotions; la mise à feu et de la répression des neurones mêmes qui créent nos expériences de tomber dans ou hors de l'amour.